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13 septembre 2017 à 20:53:35
Yo,

alors voilà, je poste ce morceau que j'ai commencé à développer depuis que je suis sur le site en essayant de condenser toutes les remarques lues ici sur mes morceaux et les vôtres. Vos erreurs sont d'une grande aide :)

Bref le morceau est plus réfléchi en terme de structure, de variations, de vélocité,
Dans l'idée je rajouterai bien un violon louiseattaquien, mais j'arrive pas à écrire ce genre d'arpèges rythmés et entrainants.
Et dans l'idée c'est plutôt un accompagnement d'une chanson, donc j'essaye d'imaginer un vocal.

Vos idées sont les bienvenues, histoire que je puisse construire le plus fruityclubien des morceaux.

Amicalement
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13 septembre 2017 à 22:30:46
Salut !

Alors il y a beaucoup à dire, encore une fois. Premièrement, je pense que la grille d'accord utilisée pour la guitare est trop instable. Il y a tellement d'accords que c'est dur d'y trouver une tonalité.

Pour le fait de séparer les parties avec les cuivres ou l'accordéon, de parties plus vide avec juste l'accompagnement, c'est une bonne idée, en début de structure. Il manquerait une voix dans ces passages "vides" afin de les combler. Après, je suis sur que tu pourrais aller beaucoup plus loin dans le fait de donner une structure au morceau. En effet, l'accompagnement de guitare/batterie/basse reste une boucle, sur laquelle vient se greffer ou non les autres instruments. Changer l'accompagnement est vital, ne serait-ce pour faire une intro, un break ou une conclusion.

Enfin, les mélodies joués par les instruments (cuivres et accordéon) ne sont pas assez percutantes, ni assez définies. Pour les rendre percutantes, il faut éviter les mélodies qui s'allongent et qui n'en finissent pas. Dans ton morceau, quand un passage mélodique commence, il n'y a pas de répétition de la mélodie afin de nous laisser un air en tête, mais on a juste affaire à un bloc de notes. Pour rendre les mélodies définies, il faut leur apporter une fin, et cela se fait en passant par la théorie des cadences. En quelque sorte, une cadence est un enchainement d'accords que l'on met à la fin d'une mélodie, d'un passage pour donner l'impression que c'est la fin, que quelque chose se conclut en musique. Par exemple, dans un morceau en tonalité de do, finir sur un enchainement d'accords sol/do donne l'impression d'une conclusion. C'est en quelque sorte la ponctuation écrite dans la grille d'accords.

Et là tu dois te dire "Mais il raconte des salades le voek ! Un jour il me dit de ne pas répéter mon accompagnement en boucle, et l'autre jour il me dit que j'ai pas assez répété ma mélodie ‽". En fait, c'est bien là que repose une énorme subtilité de la musique : la notion de thème. Un thème est une mélodie, qui donne à un morceau son identité. Et pour que l'identité d'un morceau puisse être représentée par un thème, il faut alors que le thème soit assez répété pendant le morceau pour pouvoir être mémorisé. Mais si le morceau était seulement une répétition du thème, alors il deviendrait vite ennuyant. C'est pour ça qu'il faut réussir à placer régulièrement un thème sans rentrer dans la répétitivité pure et dure. Cela peut se faire par exemple en jouant deux fois le thème après une intro, de mettre un moment calme, de ressortir le thème avec un autre instrument, avec une autre tonalité où une autre vitesse. On peut même pour les plus érudits faire un canon avec le thème, ou un contrechant, ou une harmonisation…

Enfin voilà, beaucoup de choses à dire, et des choses bien compliquées. Prends le temps de bien les appliquer ! Mais en tout cas, je pense que tu es sur une bonne voie !

Hors ligne Abricot

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13 septembre 2017 à 23:30:18
yo,

je chantonne pas mal quand j'écris, jamais vraiment la même mélodie, mais de quoi remplir les trous. J'ai l'impression que dans ce genre de morceau, une chanson on va dire, la voix fera énormément ce travail de structure. J'ai écouté quelques chansons sans le vocal, c'est parfois répétitif voir chiant. Par exemple les couplets de highway to hell sans le chant, dans le genre mécanique et répétitif, alors que la chanson est monstrueuse.

J'ai déjà pas mal lu sur ces cadences, le "do sol la fa", sur les suites d'accords, les constructions comme l'anatole... Pour l'instant je comprend pas encore bien, j'avais pas réussi à appliquer ça à la construction d'un morceau. Ce sera l'occase de rééssayer sur ce morceau, et notamment sur la guitare.

Faudrait aussi que j'arrête d'écouter ma musique et que je retourne un peu sur youtube réviser mes classiques pour appliquer mes nouvelles connaissances à l'écoute de morceaux pros histoire de voir comment ils font. A mon avis une bonne cure de Goldman, de Brel et d'un aznavour par exemple serait une bonne leçon de chanson française. J'ai besoin de mieux comprendre et identifier cette histoire de thème. Même si effectivement je me rend compte que "moins on en met plus ça peut être efficace" (highway to hell, billy jean, we will rock you...).

En ligne Voekoevaka

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18 septembre 2017 à 14:00:57
je chantonne pas mal quand j'écris, jamais vraiment la même mélodie, mais de quoi remplir les trous. J'ai l'impression que dans ce genre de morceau, une chanson on va dire, la voix fera énormément ce travail de structure. J'ai écouté quelques chansons sans le vocal, c'est parfois répétitif voir chiant. Par exemple les couplets de highway to hell sans le chant, dans le genre mécanique et répétitif, alors que la chanson est monstrueuse.
Dans le cas de Highway to Hell, je pense que la monstruosité comme tu le dis est due au fait que le morceau, même si il devait être assez brut, simple et incohérent juste après sa naissance, a pu évoluer pendant les sessions de AC/DC, puis dans leurs lives pour être à chaque fois rectifie, amélioré pour enfin atterrir sur leur album. Du coup, dans la version "finale", il y a assez de prise de recul pour que cela donne l'impression que chaque élément est à sa place, pour avoir une impression d'équilibre et de complétude. Et en effet, sans le vocal, l'équilibre n'est plus.

Remplir les trous avec des mélodies trouvées sur le moment est à mon humble avis une très mauvaise idée, qui, au pire peut casser la cohérence, et au mieux rendre les mélodies plates et convenues, car pas recherchées. L'important, c'est la prise de recul, afin de bien filtrer les idées, rectifier les mélodies, doser les solos.

Faudrait aussi que j'arrête d'écouter ma musique et que je retourne un peu sur youtube réviser mes classiques pour appliquer mes nouvelles connaissances à l'écoute de morceaux pros histoire de voir comment ils font. A mon avis une bonne cure de Goldman, de Brel et d'un aznavour par exemple serait une bonne leçon de chanson française. J'ai besoin de mieux comprendre et identifier cette histoire de thème. Même si effectivement je me rend compte que "moins on en met plus ça peut être efficace" (highway to hell, billy jean, we will rock you...).
C'est une bonne idée : il faut aller analyser avec précision des morceaux qui sont devenus références pour toi. Cela te laissera voir comment est construit un morceau, et avec le temps, tu feras attention à de plus en plus de détails. Il est rare qu'un élément en musique soit laissé au hasard, et tout devrait avoir un sens.

Après, cette histoire de thème est totalement loin d'être incompatible avec cet histoire de "moins on en met plus ça peut être efficace". Parce qu'il est totalement vrai que la rareté d'une chose la rend marquante, mais il faut réussir à donner cette impression d'importance. Par exemple, il m'est arrivé de répéter le même thème pendant 4 minutes dans un morceau. Au début, seule l'instrumentation et les accompagnements changeaient petit à petit, et au bout d'un moment, j'ai décidé de placer un petit point culminant : j'ai subitement passé une partie du thème en majeur, alors qu'il était en mineur, et j'ai accompagné ce moment d'une envolée violonesque. C'est le seul moment du morceau où il y a un passage vraiment en majeur, alors que j'ai gardé fondamentalement le même thème. Comme ça, je garde la cohérence intacte, et je fourni quand même dans le morceau un élément qui ne survient qu'une fois. J'ai essayé en quelque sorte à faire en sorte que les éléments de la compositions, qui coexistent déjà, s'harmonisent particulièrement à un moment clé pour créer la singularité.

Du coup, le mot-clé pour réussir à intégrer un passage "unique" dans un morceau est "justification". Il faut que cela soit justifié, que cela soit cohérent et en phase avec le reste. Et non que ce soit un petit bout de mélodie qui est là pour rien.

D'ailleurs, je me permets de faire un aparté statistique pour illustrer un phénomène proche de ce dont l'on parle. Quand on regarde une collection d'objets, comme des arbres dans une forêt, on va remarquer que la plupart appartiennent à la même catégorie, là même espèce. Par exemple, on va trouver 50% de chênes. Puis il y aura des catégories moyennes et derrière ça des catégories mineures, où même des éléments seuls. Cela peut être 33% de frênes, 5% de hêtres, puis quatre pins, deux pommiers, un cognassier et quatre autres arbre solitaires. Un autre exemple similaire peut être la répartition des masses dans les objets du système solaire : 99% est dans le Soleil, les 90% du reste dans Jupiter, puis les trois quarts du reste dans Saturne… La Terre et les autres planètes telluriques se partagent quelques bribes de la masse du système solaire.

En composition, on peut voir les éléments et les mélodies de la même façon. Il y a le thème principal, qui va occuper la majeure partie de la composition, puis un thème secondaire, ou un contrethème, moyennement présents, et enfin des mélodies qui apparaissent une seule fois (personnellement, j'appelle ça des hapax). Le principal serait d'organiser tout cela pour que chacun y trouve une place dans le système qu'est la composition.

 

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